“我讨厌绝对的、没有神秘感的艺术，艺术是有规律的，它应该不断提出问题而从不给出答案。甚至我那些看起来最明显的画也没有答案。从来没有什么是真实的。一切都只不过是一种不断的转移，不是向外，而是向内。”——米莫.帕拉迪诺(Mimmo Paladino) 罗伯特.费里欧（Robert Filliou）1926年出生于法国苏夫，50年代末为了写作他离开美国，他曾在那里教授经济。1964年，作为诗人、艺术家、“弗吕克西斯”成员，他给“费里欧思想”下了定义：“不做任何决定——不做任何选择——清心寡欲——一无所有——有自我意识——保持高度警惕——安静地坐着什么也不做。”对他来说，一件作品不论完成得好坏，或者是否完成，都是一样的。他是印度密教的信徒，幻想当一个“协和者”。1984年因癌症病逝。 1965年罗伯特.费里欧与乔治.布雷克特开办了一个画室商店“微笑的软音符”，但这个商店从来没有开张。他设计了“思想的坐席”：一把人们不能坐上去的椅子①。他还创作了《修修补补》，举办了“砖的用途”的展览②，用方程式创建了绳子和木块的网络，或者组织一个庆祝艺术的诞辰1000010周年的节日（埃克斯-拉沙贝尔，1973）。1971年，他创建了“自己的国家”《美妙的共和国国土》，使研究成为那些无知的人们的领地，这些人在1981年仍不知道《标准书》是给其他艺术作品规定了尺度…… 他的言论：“艺术创作不是把艺术品原样不动地制造出来：那是一种交换活动。我认为，从根本上说，艺术创作是一种精神活动，就好像艺术家知道他们从哪里来，到哪里去。” 注① 这些作品让人想到了“费耐”。 注② “2004年12月21日由陈默策划，齐向东担任展览总监，于成都蓝色空间画廊举办了“十匹火砖”的当代艺术展，参展艺术家有余极、马杰、喻辉、杨春临、陈亮洁、曾循、刘成英、周斌、邹燕心、刘翔杰、李昌龙、陈秋林、幸鑫、胡歌平、王挺、郑勇、郝磊、何利平、徐典和付豫。“十匹火砖”取自成都本地方言，也就是十块红砖而已。展览要求每个艺术家的作品中“砖”必须出场，而且砖的数量不能超过十块，也不能少于十块。“砖”是基本建筑材料，虽然简陋粗糙，但作用不可低估。它有万丈高楼平地起的原创（？）意义，也有上层建筑、社会人文、生态、物质等的发散（？）意义。材料被限定，强调“砖”出场的命令式，它引发与其他材料共和的（？）的戏剧化预期（？）限定材料并非命题式作文（？），用相同材料做出语言方式和主题差异万别的作品（咋听起来像厨艺大赛呢？），它事实上给出艺术家更多的创作可能而不是相反（？）。对艺术家而言，大题小做是一种能耐，小题大做同样是一种能耐。”[这段跳大神一样的疯话摘抄自《当代美术家》总第034期42页，请参看原文，上文中的着重符号和括弧中的标点为注者加。在这里标注这么一段，主要是进行一些类比，这样的类比能突显出某种“假”。] 理查德.隆（Richard Long），1945年生于英国布里斯托尔，1966年至1968年，他在伦敦圣.马丁艺术学校学习，1968年举办第一次个人作品展。1967年以来，他进行“行走艺术”创作。他是英国大地艺术的主要代表人物，他到世界各地旅行，从撒哈拉到拉波尼亚，从爱尔兰到秘鲁。 理查德.隆创作一些即席的雕塑，具有“三维”特点：圆圈、直线、石头的弧线。他拍摄照片，给一些小坟冢注明日期，对地形地貌加以注释。他收集泡沫碎片、鹅卵石、木头和树枝，在画廊和博物馆中进行环艺创作。1980年以来，他用泥土在地面和墙上创作了大型的圆盘《泥浆的图画》。这些作品带有叙事的性质，因为这些泥土来自于他故乡的阿翁河或者他生活中某个时期的地方。 他的言论：“我喜欢在时间、地点和时间、距离和时间、石头和距离、时间和石头之间使用对称图形。” 热拉尔.加西奥鲁斯基(Gérard Gasiorowski)1930年出生于巴黎。1947年至1950年，热拉尔.加西奥鲁斯基在巴黎应用艺术学校学习。1964年至1971年，他创作了一些高度写实的作品。1970年举办第一次个人作品展。在16年时间里，他主要从事对绘画的难度和“有限的创作”的评论。1986年，他在里昂去世。 热拉尔.加西奥鲁斯基宣称他的绘画活动开始于1970年，作品是“粗劣的画”，表现了朝阳、古老的村庄和历史古迹。接下来，他又创作了《花瓶》（1973-1982）、《标点》（1974-1982）和〈混合物〉（1975-1982）。同时创作了〈战争〉（1974），用烧焦的飞机、火车、坦克模型和烧焦的痕迹展示了战争的场面。1976年他的当代艺术宣言更具讽刺性。他以“阿尔纳.阿梅尔教授“的笔名创办了“沃罗西斯基加学院”（是用他的姓氏的字母改变词序造的词），他是毫不妥协的文献保管员和校长。4年时间里，有400名注册的学生（沃霍尔、马瑟韦尔、波伊斯、斯特拉……）在画帽子。热拉尔.加西奥鲁斯基还创造了“纯真的画”。画中的人物印度姑娘基佳制作日常的物品，揉捏她的粪便，添加香料，制作“圆面包”。或者收集烹调的汤汁画出“汤汁”。1980年至1986年，在农民、冷漠的人和另外的虚构人物塔伊佳的帮助下，热拉尔.加西奥鲁斯基找回了“绘画的某些乐趣”，创作了〈柴堆〉、〈史前〉和〈肥沃〉。 热拉尔.加西奥鲁斯基说：“当我生活在与‘绘画’紧密相连的环境里，怎么能够画出异乎寻常的画来呢！我与它有着身体最紧密的接触，大量的近乎性的经历，用不同的体位分享着特殊的性高潮——这里丝毫没有嘲讽的意思，或者可以理解为，对俗套的绝对蔑视。” 雷兢`，1998年，19岁的雷兢游水偷渡到香港，在此之前，他在劳改农场呆了两年，而在劳改之前，他当了两年的红卫兵，大肆造反。①偷渡来香港两年后，他又马不停蹄地跑到加拿大，在安大略省美术学院念书，并最终成为蒙特利尔市的一名出色的艺术家。如今，他的作品沉迷于表现征人的惆怅和狂喜。 注① 时间上存在疑点，可能是笔误，猜测应是1978年而非1998年。原文载于〈当代美术家〉总第038期74页。 川良温（On Kawara）1932年出生于日本？屋，川良温自学成才，在1953年创作了第一批雕塑作品。从1959年起，他离开日本，到美国和欧洲旅行。从1966年起，他发展了概念艺术关于时间的流逝的表现。1971年举办第一次个人作品展。他现在在纽约生活和工作。 1966年4月，川良温开始他的系列作品〈今天〉和〈带日期的画〉。在单色的丙烯底上，他注明创作日期。如果到了午夜创作还没有完成，他就把画毁掉。他把每幅画用一个纸筒包装起来，纸筒上贴有当天的报纸。他自己整理每年的作品目录，准确地记录这些系列作品，从1966年到1979年9月17日，他创作了一些自传系列：〈我读过〉、〈我遇见过〉、〈我去过〉、〈我逗留过〉。他还幽默地向艺术界发出了回电，作为对一些邮件的答复：我一直还活着。 佩尔.基尔克比（Per Kirkeby）1938年出生于丹麦的哥本哈根。1957年至1964年，佩尔.基尔克比学习地质学，成为北极地质学家，但是自60年代初以来，他开始向丹麦实验艺术运动（EKS）靠近。1965年举办第一次个人作品展。他现在在哥本哈根生活和工作。 1966年，佩尔.基尔克比靠近弗吕克西斯运动。他进行表演艺术的创作，拍摄电影，画一些半抽象半具象的风景画。1970年左右，他用砖创作了一系列雕塑作品，这些作品是现代主义建筑结构的变体。他在“空间创作物体，来证明物体并不存在”。后来，为了追求正确的图像，他用巨大的画幅和鲜艳的色彩来表现大自然的力量，他画稠密、无形状的景色，画静物。他借助回忆和自己的经历。他创作的雕塑形状使人联想到人体或自然。 基尔克比的言论：“1艺术是一种抽象。2抽象的艺术不存在。3没有纯粹。4艺术应该来源于“某种东西”。5艺术是一种弥撒。6里面有许多龌龊。7艺术是有规矩的。8艺术是人造出来的。9一切都是重复，艺术也如此。10一切都曾经被做过。11重复是沉重的。12但是不可避免的。13了解重复有助于避免“抽象艺术”。14艺术家对此已经适应。15对于艺术家来说，努力再努力，这不是艺术。16完成的工作是一种抽象。17生命是一种假设。18死亡是真实的。19死亡隐藏于每棵树的后面。20这就是美的原因。” 罗曼.奥帕尔卡 （Roman Opalka）1931年出生于法国奥琴古尔，1950年至1956年，罗曼.奥帕卡尔在瓦尔索维亚美术学院学习，1965年，他决定把时间和生命的尺度概念化。1966年举办第一次个人作品展。他现在在阿热奈生活和工作。 自1965年以来，他用0号画笔在196×135 cm的画布上创作了系列画〈细部〉。从1号到无限，他预计他将在7 777 777和88 888 888之间去世，他写下数字的序列。直到1972年，他都在黑色的底色上作画。此后，他的底色越来越浅，在每幅新画中比前一幅画的黑色或灰色多了1%的色差变化。他设想，有一天，他将在白色的底色上画白色的画，他要在“不可视中创作可视的图像”。旅行中，他用中国墨水在白纸上连续创作了〈旅行图〉系列。自1965年以来，每当完成一幅〈细部〉，他便给自己拍一幅照片。而且总是黑白照片，正面像，穿着白色衬衣，微微敞开的领口露出挂在脖子上的项链。自1972年以来，他用录音机给自己录音，给自己的画编号。他的作品是与流逝的时间的顽强对抗。 奥帕尔卡的言论：“我发动了一场运动，它在不断变化中发展，在沉思中创新；在我的努力之下，这个运动在其计划和它所带来的美的效果中给人带来了想像。 皮埃罗.曼左尼（Oiero Manzoni）,1933年生于意大利松西诺，1057年在米兰举办第一次个人作品展。1956年至1957年，他发表了两个有关艺术完全自由的声明，参加了阿尔贝托.布里的核运动。1958年，他是零小组的成员。皮埃罗.曼左尼要把艺术与生活联合起来。1963年皮埃罗.曼左尼在米兰去世。 1959年至1963年，皮埃罗.曼左尼大量进行行为艺术和挑战性的创作。在〈线条〉系列中，他用钢笔在纸条上画出连续的线，然后，把纸条卷成卷，放在一个套筒中。每幅〈线条〉的特点是日期和线条的长度不同。在〈非染色〉系列中，他把各种材料（棉花、毡子、毛发、稻草、鹅卵石、塑料）粘贴摆放在单色画布上；他要使材料成为“纯能量”。他把自己的指纹印在煮熟的鸡蛋上，创作了〈世界的基座〉（1961）。他把自己的粪便放在30个罐头盒中：〈艺术家的粪便〉（1961）。他还在裸体女性身上留下自己的痕迹，并用“身份证明”来为这些作品定义。 他说：“为什么像图画这样的无限空间不是一个自由的空间呢？为什么不努力发现一个整体空间、一个纯粹和绝对光线的无限意义呢？” 奥托.穆埃尔（Otto Muehl）1925年生于奥地利戈罗德诺,1947年至1952年,奥托.穆埃尔学习历史，1952年至1957年，在维也纳艺术学院学习艺术。1961年举办第一次个人作品展。1962年啊成为维也纳行为主义的创始人。 1961年，奥托.穆埃尔创作了一些“绘画-材料”，一些抽象表现主义风格的画。啊运用废弃的金属、木材和旧画创作了一些雕塑，他还用镜子制作了一些艺术品。从1962年起，他创作了一系列人体艺术。他创作了一些狂欢偶生艺术和心理剧剧本，表现最初的直觉。他用食物、绷带、鸟和颜色覆盖在演员身上，表现“泥巴、人、抹布、面包和水泥的同等艺术价值”。1967年，他创作了〈左克〉，表现一种“完全的革命”。他画了〈个性67〉，这是一个彩色的肖像系列，画的是“那些在这个肮脏的社会中做了点事情的人，那些令人反感的人，譬如：尼克松、查尔斯王子……”。直到1972年，他以动作为主题，展示了照片、电影、素描、油画和粘贴画。1972年，他创建了一个共同体，“弗雷德里克索夫”。他建议小组成员“在相互交流中恢复健康”。但是1991年，奥托.穆埃尔由于“教唆未成年人荒淫”被判处七年监禁。 奥托.穆埃尔的言论：“生活在这个文明的世界，有时我真想像猪一样在泥潭里打滚。我想用生活把所有光滑的表面玷污。我爬在上面，把垃圾抛向四面八方。当我大发雷霆的时候，我要打开所有的阀门，我要用我的全部灵魂想这个是叫喊。这样我就拯救了所有我的同时代人和未来的人们。” 感谢 分享到 推荐 1人 1人喜欢 喜欢 > 我来回应 > 岂子的日记
